Vasco Dantas: el ascenso de un excelente pianista portugués

Por Joana Patacas*, el 1 de julio de 2024

En un ámbito artístico tan competitivo y en constante evolución como la música clásica, Vasco Dantas destaca como una figura de excelencia, cuya trayectoria lo consagra como uno de los pianistas portugueses más tranquilos de la actualidad.

Su virtuosismo es notable y su técnica ejemplar, lo que le permite interpretar pasajes complejos con sorprendente facilidad y fluidez. Sus dedos se deslizan por el teclado, produciendo un sonido cristalino y brillante, incluso en los momentos de mayor intensidad y velocidad. Su dominio del instrumento le permite crear una amplia gama de dinámicas y sutilezas, desde los pianissimos más delicados hasta los fortissimos más potentes. Sin embargo, su destreza técnica está al servicio de la expresividad y la emoción, dando como resultado interpretaciones profundamente atractivas y conmovedoras que han conquistado a público y crítica por igual.

“ Mozart se vuelve extremadamente emotivo, casi romántico, en este concierto para piano. Vasco Dantas lo subrayó con su interpretación introvertida y casi impecable, en la que, a pesar de todo el sentimentalismo, no faltaron la estructura virtuosa, el toque suave, casi favorecedor, las líneas melódicas fluidas y los pasajes brillantes, así como la dinámica finamente graduada ” . PZ-news.de

Nacido en Oporto en 1992, Vasco Dantas ha conquistado el mundo con su extraordinario talento. Con una exitosa carrera internacional y más de 50 premios en concursos internacionales, es un nombre indiscutible en la escena de la música clásica. Desde su debut en público con tan solo seis años en el Museo del Tranvía de Oporto hasta los escenarios más prestigiosos del mundo – el Carnegie Hall de Nueva York, donde hizo su debut en solitario, el Théâtre des Champs-Elysées de París y la Gran Sala del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú como solista con orquesta – ha cautivado al público con su virtuosismo y pasión por la música.

“ Dantas es un intérprete con unas posibilidades técnicas excepcionales que, además, consigue poner en práctica sus habilidades para crear expresiones musicales breves pero impactantes. (...) Con gestos tranquilos y movimientos corporales discretos, lograba un contacto con el teclado a través del cual se podía percibir verdaderamente la unidad de sonido y movimiento. ” – Muzički Limbo

Licenciado en Música con honores por el Royal College of Music de Londres, estudió piano con Dmitri Alexeev y Niel Immelman y dirección con Peter Stark y Natalia Luis-Bassa. Realizó su máster en interpretación con las mejores notas bajo la dirección de Heribert Koch, así como su doctorado "Konzertexamen" por la Universidad de Münster. Su excelente formación se refleja en sus interpretaciones, como ha destacado la crítica:

" Un pianista que se distingue por su gran generosidad y fuerza emocional, el Sr. Dantas se caracteriza por la intensidad y la dulzura que transmite simultáneamente en sus interpretaciones ". – Aachener Zeitung (Düren)

Además de su carrera como pianista, Vasco Dantas También destaca como director artístico de varios festivales, entre ellos el Algarve Music Series , el Sezim Music Series , The Piano Concerto Festival y el Music Series Festivals . En esta entrevista exclusiva con SMART , nos habla de sus primeros pasos en la música, las experiencias y desafíos que marcaron su carrera y las valiosas lecciones aprendidas en el camino.

¿Cómo llegó la música a tu vida?

Mi padre cantaba en un coro. Ensayaba los sábados y yo a veces lo acompañaba a los ensayos. Cuando tenía tres años era un niño muy inquieto y durante los descansos intentaba ir a donde estaba el profesor José Manuel Pinheiro, el director del coro, que tenía su teclado y le pedía que adivinara los sonidos. Le pareció muy divertido y empezó a hacer algunos juegos musicales y pruebas rápidas. Se dio cuenta de que tenía talento musical y que tenía una especie de oído absoluto, porque reaccionaba muy bien y muy rápido. Entonces le aconsejó a mi padre que me inscribiera en música. En ese momento, mi padre se sorprendió mucho porque no sabía que era posible empezar a aprender a tocar un instrumento tan pronto. Empecé a aprender en Valentim de Carvalho, en Oporto, y desde entonces he seguido estudiando música.

Empezaste estudiando piano, pero luego también aprendiste a tocar el violín. Cuéntanos un poco sobre ello.

El violín surgió porque mi hermana, dos años y medio menor que yo, también empezó a estudiar música. Tenía unos tres años y comenzó sus estudios de violín con el método Suzuki. Mientras ella estudiaba en casa, yo la escuchaba tocar y eso despertó mi interés por el instrumento. Así que les dije a mis padres que quería empezar a estudiar también violín, además de piano, que ya estaba aprendiendo.

¿Y completaste tus estudios en ambos instrumentos?

Estudié violín hasta terminar el octavo grado, pero llegó un momento en el que tuve que tomar una decisión. Aunque me encantaba, el piano fue mi primer instrumento. Además, ya estaba muy avanzado en mis estudios, incluso en comparación con otros estudiantes. Sentía que tenía mayor potencial para desarrollarme y expresarme musicalmente a través del piano.

¿Qué diferencias había entre ambos instrumentos?

A mí me gustaba mucho tocar el violín y siempre quise seguir aprendiendo ese instrumento el máximo tiempo posible. Incluso el violín me resultaba bastante fácil; para mí, el piano era un instrumento más difícil. Dedicaba muchas más horas a estudiar el piano, pero seguí tocando el violín porque me permitía hacer música en conjunto con otros compañeros. Desde ese punto de vista, el piano es un instrumento más solitario. Recuerdo muy bien que quise matricularme en las OJ (Orquestas Jóvenes de los Conservatorios Oficiales de Música) donde estaban todos mis compañeros, pero no había plazas para piano. Me dio mucha pena no poder ir con ellos sólo por ser pianista. Sin embargo, me di cuenta de que también podía presentarme a exámenes de violinista. Nadie había hecho eso nunca con un segundo instrumento. Estudié violín en un colegio privado y cada uno se presentaba a los exámenes con el instrumento que estudiaba en el Conservatorio. Así que, un día fui a presentarme a examen de violinista, aprobé y empecé a participar en las OJ. En otras palabras, en cierto modo seguí estudiando violín porque me permitía socializar y hacer música juntos.

¿Aún tocas el violín?

Sólo de vez en cuando, por diversión, y nunca en un contexto profesional. El piano exige mucho de mí en términos profesionales.

Empezó a actuar muy joven. ¿Cómo fue actuar en público en el Museo del Tranvía de Oporto a los seis años?

¡Ah, fue muy fácil! Un niño de seis años no tiene ni idea de que está actuando en un concierto. Al mismo tiempo, también tocaba en el programa “Praça da Alegria” de la RTP. Era espectacular. Sólo después se me hizo más difícil actuar en público, cuando ya no era un “juego”. Creo que sólo en la adolescencia empecé a ser consciente de lo que es estar en el escenario, lo que representa y cómo lidiar con el hecho de que otras personas evalúen mi trabajo.

¿Cuándo empezaste a darte cuenta de que ibas a ser músico profesional?

En la escuela, en comparación con el resto de la clase, yo era un estudiante promedio. No era el mejor de la clase. Estaba entre los buenos estudiantes, pero no destacaba como el mejor. Sin embargo, en los concursos de piano, la historia era diferente. Siempre ganaba un premio, generalmente el primer lugar. Esto comenzó a notarse en mi adolescencia, y fue cuando me di cuenta de que podía significar algo importante. Entonces comencé a imaginar cómo sería seguir una carrera musical. Sin embargo, nunca tomé una decisión definitiva. Al final del 9º grado, elegí Ciencia y Tecnología, porque no quería limitar mis opciones. De hecho, incluso consideré estudiar Medicina. Participé en el proyecto “Pós…Zarco”, en el Instituto Gonçalo de Zarco en Matosinhos, que preparaba a los estudiantes que querían estudiar Medicina en la Educación Superior, incluyendo clases de español para el examen de ingreso en España, donde las medias de ingreso eran mucho más bajas. A mitad de la secundaria, empecé a darme cuenta de que no quería estudiar Medicina y me decanté por la Ingeniería. Mientras tanto, entré en la Facultad de Ingeniería de Oporto (FEUP) para estudiar Ingeniería de Materiales, con la intención de pasar después a Ingeniería de Micro y Nanotecnología, pero al mismo tiempo me presentaba en Londres a exámenes para obtener el título de Música en el Royal College, la Royal Academy y el Trinity College. A los 18 años, terminé congelando mi matrícula en la FEUP y me fui a Londres, donde acabé graduándome con honores en el Royal College of Music de Londres.

¿Su mudanza a Londres estuvo motivada por la percepción de que tendría más oportunidades en el extranjero que en Portugal?

Sí, por supuesto. Tenía la opción de quedarme en Portugal, pero ya había decidido que si quería estudiar música, quería hacerlo en el extranjero. Los exámenes en Londres se hacen con un año de antelación. En septiembre de mi 12º año, tuve que decidir si quería hacer los exámenes para entrar en la carrera el año siguiente, en septiembre. Hice los exámenes en noviembre y diciembre de 2009, y luego me inscribí en 2010. En aquella época, había pocos músicos portugueses estudiando en el extranjero, pero tenía dos ejemplos de pianistas portugueses que habían ido a Inglaterra –João Pedro Costa, que también había estudiado en el Conservatorio de Música de Oporto, estaba en Manchester, y Pedro Gomes, que estaba en el Royal College, en Londres– y quería seguir ese camino. Ya había participado en concursos por todo el país y ganado varios premios, pero de vez en cuando me enfrentaba a algunos golpes de realidad. Por ejemplo, cuando competí en España, ya no pude ganar el primer premio. Me di cuenta de que sería más difícil progresar en Portugal que si me iba al extranjero, donde había claramente gente mejor que yo. También me entusiasmaba la idea de la aventura de ir a estudiar al extranjero, que siempre acaba siendo un valor añadido. No quiero decir que no haya profesores excelentes en Portugal, pero el aprendizaje no se limita sólo al profesor. Además, formar parte de un college en Londres es, en sí mismo, una experiencia única. No se trata sólo de la oferta educativa, sino también de la oferta cultural que se ofrece a los estudiantes, de la diversidad de estudiantes que conocimos de otros países y de la enorme red de contactos que empezamos a crear a los 18 años. Todo eso cuenta. Cuando salí del Royal College, tenía una red de contactos mucho más amplia que muchos de mis compañeros que decidieron quedarse en Portugal. Aunque jugaran tan bien como yo, esa dimensión extra es muy relevante y marca la diferencia. Y probablemente también me enfrenté a algunos retos que no habría afrontado si me hubiera quedado en Portugal.

Cuéntenos sobre estos desafíos.

Por ahora, nos enfrentamos a una realidad diferente: es un país diferente, con un idioma, una moneda y una cultura diferentes. Además, es muy difícil estar rodeado de tantos pianistas talentosos todos los días. Tenía compañeros de clase de todo el mundo y en clase tocábamos los unos para los otros, bajo la guía de los profesores. Nunca había estado en un ambiente con tanto talento reunido en una sala. De repente, me di cuenta de que mi nivel era solo promedio o, en algunos casos, por debajo de la media, en comparación con mis compañeros de clase. Esto me hizo sentir la necesidad de esforzarme aún más para seguir el ritmo y el nivel musical que ellos demostraban. Al mismo tiempo, tuve la oportunidad de tocar el piano y hacer música con ellos, lo que resultó ser extremadamente enriquecedor. Diría que el mayor desafío fue esta necesidad de mejorar mi calidad musical. También tuve muchas oportunidades, como tomar clases con profesores y pianistas internacionales, o asistir a clases magistrales de increíbles artistas internacionales, como Alfred Brendel, András Schiff o Lang Lang, que se encuentran entre los mejores pianistas del mundo. Esta posibilidad se nos presentó como algo completamente normal, ya que podíamos inscribirnos para participar en estas clases o asistir a ellas y tener contacto personal con estos artistas invitados. Esto me permitió ampliar enormemente mis horizontes artísticos y recibir pequeños consejos e ideas que resultaron sumamente importantes en mi carrera.

¿Cuál fue la pieza o el compositor que más te desafió durante tu formación?

Durante mis estudios universitarios, Franz Liszt fue sin duda el compositor que más me desafió. En ese momento, estuve muy involucrado en el estudio del vasto repertorio y la vida artística del compositor Franz Liszt. Realicé algunos proyectos interesantes con la "Rapsodia española" de Liszt, que, a pesar de su nombre, es una colección de temas ibéricos, incluyendo los "Grandes Études de Paganini" y la Sonata en si menor de Liszt, y las Variaciones "Souvenir de Paganini" de Chopin. Fue un período en el que me acerqué a muchas obras de gran virtuosismo, lo que hizo de Liszt el compositor que más me desafió en ese momento. Este período incluso dio como resultado dos CD: mi primer álbum " Promenade ", todavía grabado en el Royal College of Music en 2013, que incluye Liszt, los Sonetos de Petrarca y la Rapsodia española , así como " Cuadros de una exposición " de Músorgski. Y el segundo álbum ya grabado en la Universidad de Münster al comienzo de mi viaje a Alemania, en 2015, incluye los “ Grandes Études de Paganini ”, la Sonata en si menor y las Variaciones “Souvenir de Paganini ” de Chopin.

¿Y ahora?

En este momento, las obras de Rachmaninoff y Mily Balakirev, ambos compositores rusos. Balakirev es el autor de " Islamey ", una composición para piano escrita en 1869, que todavía se considera una de las piezas más difíciles del mundo. Es todo un reto y estoy preparando un programa de recital en torno a estos dos compositores y han ocupado gran parte de mis pensamientos.

Has ganado más de 50 premios. ¿Cómo afronta un artista joven este nivel de éxito y reconocimiento?

Requiere un trabajo emocional. Mi profesora en el Conservatorio Superior de Música de Oporto, Rosgard Lingardsson, fue fundamental en este proceso. Se dio cuenta de que yo tendía a ser muy competitiva y supo utilizar esto a mi favor. Recuerdo cómo me planteaba constantemente nuevos retos para animarme a esforzarme más. Los planes de estudio estaban diseñados para ser accesibles a todos los estudiantes, lo que acababa “haciendo bajar el nivel”. Sin embargo, hoy en día, tengo la sensación de que esta tendencia se ha acentuado aún más. Como cumplía rápidamente con todo lo que se exigía, ella intentaba ir más allá, motivándome a participar en concursos. Empecé a ganar premios en diversos concursos muy pronto y muy a menudo, lo que podía crear una falsa impresión de superioridad. Para contrarrestarlo, la profesora Rosgard me animó a participar en concursos internacionales. Esta experiencia resultó útil, porque hubo momentos en los que estudié menos, confiada en que ganaría como siempre, lo que no siempre ocurrió. Enfrentarme a esta realidad diferente, como no ganar nada en los concursos en España, me hizo dedicarme a estudiar aún más intensamente. Esta gestión fue crucial. A pesar de mi carácter competitivo, soy muy perfeccionista, y ella supo canalizar estas características de forma pedagógica. Así, al final de cada semestre, ya había completado el equivalente a un año académico completo.

En el plano profesional, usted también es el director artístico del Algarve Music Series y de otros festivales. ¿Cómo gestiona un instrumentista con una agenda tan apretada todas estas responsabilidades?

El Algarve Music Series fue creado por la violonchelista Isabel Vaz, quien me invitó a ser el director artístico de la tercera edición del festival. Desde entonces, hemos compartido responsabilidades. Mientras tanto, cambiamos el nombre a Algarve Music Series , ya que antes se llamaba “ Algarve International Chamber Music Festival ”, un nombre muy largo y poco reconocido internacionalmente. Gestionar la programación es realmente difícil. En un festival con pocos recursos, como es el caso de la mayoría de los festivales en Portugal, el director artístico necesita asumir varios roles. Al principio, no teníamos una estructura muy desarrollada. Yo era productor, director, conductor, intérprete, contestador de correos electrónicos y administraba lo poco que teníamos, para poder hacer todo. Al mismo tiempo, continué con mis conciertos. Fue muy exigente. Afortunadamente, logramos hacer crecer la estructura del festival, aunque no fue fácil. Ahora tenemos una estructura más robusta y somos más eficientes, pero al principio necesitábamos más apoyo para tener un equipo más grande, pero eso implicaba que necesitábamos gente que nos ayudara a tener mejor visibilidad y presentar los proyectos de manera más efectiva para poder obtener ese apoyo. Ahora, cada vez más, puedo ser solo el director artístico.

Sin embargo, ¿habéis ampliado el concepto de Serie Musical ?

Exactamente. El Avis Music Series llegará a su tercera edición en septiembre y el Sezim Music Series tuvo su primera edición a finales de abril de este año y fue un gran éxito. Esperaba que fuera muy bien porque a nivel artístico tuvimos invitados extraordinarios: toqué con el Trío Mário Laginha, pero también tuvimos actuaciones de Isabel Vaz (violonchelo), Ricardo Gaspar (viola de arco), Marco Rodrigues (trombón), Joel Cardoso (clarinete) y João Barradas (acordeón). Además, el festival tuvo lugar en la histórica Casa de Sezim, en Guimarães, lo que le dio al espectáculo un ambiente aún más refinado. Mientras tanto, a finales de este año, el Music Series tendrá su debut en el impresionante Teatro del Lago, en Frutillar, en el sur de Chile. Se trata de un centro artístico que fomenta el desarrollo de la cultura y la creatividad en la educación a través de la música y el arte y el actual director del Festival de Música del Teatro del Lago y responsable de la programación es el portugués João Aboim. Estuvimos en conversaciones con él durante un tiempo y, mientras tanto, se aprobó una plataforma para artistas portugueses. Hasta ahora, no había existido en Chile ningún proyecto de este tipo que promoviera el contacto cultural entre ambos países. Así nació el Ciclo de Música Teatro del Lago , que a partir de ahora contará con una programación anual dedicada a artistas relevantes de la escena musical portuguesa.

También es codirector artístico del Festival de Conciertos para Piano del Algarve. ¿En qué se diferencia este evento de los demás?

Este es un festival más educativo. Mientras que en otros festivales invitamos a varios artistas a componer el programa y realizar conciertos, este evento ofrece a los pianistas jóvenes la oportunidad de tocar con una orquesta. Identificamos una brecha significativa en este ámbito. Aunque existe una enseñanza de piano de calidad en las universidades portuguesas, las oportunidades para que los estudiantes toquen con una orquesta son muy limitadas. Esto se debe al alto costo, la logística compleja, la falta de espacio y el tiempo necesario para organizar a 50 músicos en el escenario, entre otras cosas. Sin embargo, es esencial para un pianista que aspire a una carrera profesional tener experiencia tocando con una orquesta. Observamos que muchos colegas tocaban muy bien en recitales en solitario, pero luego se enfrentaban a dificultades al tocar con una orquesta, debido a la falta de experiencia en seguir a un director o en adaptarse al contexto orquestal, algo que es esencial para alcanzar un alto nivel en esta área profesional. Por lo tanto, tiene este aspecto más educativo, ya que ofrece a los pianistas la oportunidad de ensayar, grabar y actuar con una orquesta y participar en clases magistrales con diferentes profesores y directores. Además, el festival está abierto a la comunidad, lo que permite que el público en general asista a los conciertos. Este año (2024), el festival se llevará a cabo en dos sedes: en Faro, con la Orquestra do Algarve en el Teatro das Figuras; y en Florencia (Italia), con la Orquestra il Contrappunto.

¿Crees que el ecosistema en Portugal es más propicio para el surgimiento de este tipo de festivales de música clásica o todavía existen algunos obstáculos?

Creo que el entorno de la música clásica en Portugal nunca ha sido tan favorable, pero aún falta la inversión que se ha visto en géneros musicales más populares y comerciales. En otros estilos, la inversión se centra más en el marketing y en lo “visual” del espectáculo, es decir, en lo que es “instagrameable”. Esto atrae más a un público masivo, a pesar de que a veces no tiene tanta calidad artística. La música clásica, en cambio, tiende a centrar sus recursos en la calidad de los músicos y no ha conseguido alcanzar tanta publicidad y creación de imagen. Esto lo vemos en la experiencia del público, que a menudo ni siquiera sabe que existen este tipo de eventos. A menudo escucho a gente que solo se entera de un concierto después de que ha sucedido y se pregunta cómo no lo sabían antes. Esto demuestra que la publicidad aún es insuficiente, pero he visto algunos festivales, orquestas y salas de conciertos con nuevos directores artísticos que están mejorando mucho este aspecto.

La estrategia de marketing en la música clásica necesita evolucionar. Otros géneros son capaces de asociarse con marcas y crear campañas publicitarias que hagan que los eventos sean " cool ", algo de lo que carece la música clásica. Aunque las nuevas tecnologías y las redes sociales ayudan a promover la música clásica y hacerla más accesible, esto todavía no es suficiente. Hay cada vez más músicos excelentes con formación superior y mucha gente interesada en escucharlos, pero crear un público más comprometido sigue siendo un reto. Muchos de mis amigos músicos acaban emigrando porque, a pesar de formarse aquí, encuentran mejores oportunidades en el extranjero. Es triste ver que la inversión del Estado en la formación de estos artistas no se utiliza aquí en Portugal, donde podrían enriquecer nuestro panorama cultural.

También eres docente. ¿Cómo ha sido esa experiencia?

Como “plan B”, hice un Máster en Profesorado de Música en la Universidad de Aveiro, pero sólo doy clases particulares y con menos regularidad de la que me gustaría. En una escuela de música, un profesor tiene que seguir un plan de estudios, a menudo decidido por académicos muy competentes que, a pesar de sus cualificaciones, pueden no entender cómo funciona la práctica, algo esencial para la enseñanza de la música. Y esto también acaba desmotivando a los niños. Al enseñar fuera del sistema de educación formal, puedo formar a alumnos realmente comprometidos e interesados. Además, no tengo que lidiar con la burocracia y los programas que no aportan valor práctico.

Además, usted posee un máster y un doctorado en interpretación “Konzertexamen” por la Universidad de Münster. ¿Qué es lo que impulsa a una intérprete de tanto éxito a invertir continuamente en formación académica?

En Alemania, el “Konzertexamen” no es un título de doctorado tradicional, sino un título avanzado en el campo de la interpretación musical, que se centra principalmente en el aspecto práctico, sin el componente de investigación académica, con el objetivo de preparar a los músicos para carreras de concierto al más alto nivel. Aunque no escribí una tesis académica, esta titulación me permite, si me invitan, enseñar en cualquier universidad alemana, ya que da fe de un nivel excepcional de dominio y competencia en la interpretación musical. En Portugal, es diferente. Si quisiera obtener un doctorado en interpretación, tendría que escribir una extensa tesis académica. Como ya he mencionado, en las universidades portuguesas se exige a los músicos un nivel académico (en el área de interpretación), pero no se exige que los académicos tengan la misma proporción de experiencia práctica en la interpretación. No creo que eso sea correcto. Estoy muy interesado en la parte académica, pero no en la forma en que me la ofrecieron en Portugal, es decir, en la Universidad de Aveiro, donde completé mi maestría en enseñanza de la música. Sentí esto durante mi tesis de maestría, cuando ya tenía un conocimiento profundo del tema, pero aún tenía que seguir reglas estrictas, como escribir un número mínimo de páginas, palabras e incluir una bibliografía extensa, no necesariamente agregando conocimiento al tema, pero ciertamente haciéndolo más extenso. Solo haría un doctorado aquí si fuera inevitable por alguna razón, ya que no tengo interés en completar este título académico solo para cumplir con los requisitos formales.

¿Cómo ve su papel en la promoción de la música portuguesa en el extranjero, como músico portugués actuando internacionalmente?

He promocionado mucho la música portuguesa en el extranjero y la gente acaba asociándome a eso también. La verdad es que, en el mundo de la música clásica, se valora más la originalidad y la marca que aportan los artistas que la interpretación en sí. Si un pianista alemán toca Beethoven o Brahms, el público puede preguntarse por qué debería escuchar a un portugués tocando el mismo repertorio, ya que ha escuchado a innumerables alemanes hacerlo. Sin embargo, si presento algo portugués que nunca han escuchado, termino generando más alcance, porque la gente está interesada en descubrir nuevos compositores y nueva música. Creo que este papel de promoción de la música es algo que todos los músicos deberían asumir. Llevo mucho tiempo haciendo esto y hubo un momento en el que noté que no a todo el mundo le gustaba hacerlo, porque había una cierta percepción de que la música portuguesa era de calidad inferior. Hoy en día, esa percepción ha cambiado. Siento que los músicos reconocen cada vez más que la música portuguesa es un activo y valoran cada vez más el repertorio que incluye compositores portugueses.

Además de tu carrera como pianista, ¿tienes otros intereses o aficiones?

Tengo otras responsabilidades, ya sea como profesor o como director artístico. A veces asumo otros roles más casuales, como diseñador, gerente o contable. Pero también me dedico a otras actividades en mi tiempo libre. Disfruto mucho de los deportes, como el surf, el atletismo y el ciclismo. Me gusta estar en lugares naturales, y valoro mucho estar en silencio (quizás porque ya paso gran parte de mis días rodeado de música). A veces lo último que quiero hacer es ver la televisión o escuchar la radio; prefiero el silencio, o ir a la playa o dar un paseo. Tengo el privilegio de vivir al lado del mar y lo aprovecho para hacer deporte al aire libre y relajarme. También disfruto mucho del fútbol y jugar al ajedrez. Juego al ajedrez desde que era pequeño y, en algunos momentos de mi vida, ¡hasta se convirtió en una adicción! He participado en campeonatos distritales y nacionales. Hoy en día, sigo jugando, pero solo como aficionado. Además de todo esto, siempre estoy tratando de aprender algo nuevo; Actualmente estoy mejorando mi francés, dedicando unos minutos cada día a estudiar y practicar este idioma, al mismo tiempo que intento mantener la fluidez en alemán.

Por último, ¿qué consejo le darías a los jóvenes músicos o pianistas que quieran seguir tus pasos y construir una carrera exitosa?

Tantos… Si pudiera dar solo uno, diría que practicar en la sala de ensayo tres, seis u ocho horas diarias es importante, pero no es lo más importante. Al principio, sí, es crucial para alcanzar un alto nivel. Sin embargo, llega un momento en el que puede ser más beneficioso utilizar ese tiempo para asistir a conciertos, escuchar a compañeros o conocer a otros artistas. Estas experiencias pueden ser más valiosas que una hora extra de estudio aislado. Al principio, lo más importante para mí era estudiar lo máximo posible y conocer nuevos artistas. Sin embargo, nunca hacía más de cuatro horas diarias. Eso es más que suficiente para mantenerme en forma y aún así tener veinte horas de sobra, lo que permite un equilibrio saludable con otras actividades, como tener una mejor vida social, familiar o dormir ocho horas diarias. Veo a muchos compañeros quejándose de la falta de tiempo, pero creo que esto se debe muchas veces a una mala gestión. Trabajar intensamente tres o cuatro horas diarias debería ser suficiente. Estudiar es fundamental, pero es igualmente importante equilibrarlo con otras actividades que nos complementen y nos formen como seres humanos.

Dijiste que tenías muchos consejos. ¿Te gustaría compartir alguno más?

Sí, me gustaría decir que no hay que tener miedo de explorar y experimentar en los ensayos, aunque parezca arriesgado o se pueda recibir críticas. Por ejemplo, Astor Piazzolla, durante sus estudios en Francia, creó composiciones que inicialmente ocultó porque pensó que serían vistas como ridículas. Estaba experimentando con estilos que no se consideraban serios, como fusionar elementos del tango con la música clásica. A su maestra inicialmente le disgustó que persiguiera ideas que parecían frívolas. Sin embargo, cuando finalmente escuchó su trabajo, reconoció su valor único e innovador. Hoy, a Piazzolla se lo celebra precisamente por esta innovación y originalidad. Así que la lección aquí es no tener miedo de seguir tu instinto creativo, incluso si parece ir en contra de las normas establecidas.

* Joana Patacas - Consultoría de Comunicación y Contenidos

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