Por Joana Patacas*, el 27 de agosto de 2024
João Barradas es uno de los acordeonistas más destacados e innovadores de Europa, con una destacada carrera que abarca la música clásica, el jazz y la improvisación. Conocido por su versatilidad y profundidad musical, Barradas ha estado redefiniendo el papel del acordeón en el panorama musical contemporáneo.
“ De hecho, aunque la misión de la serie ECHO es traerte a los principales artistas del futuro, Barradas ya es una especie de superestrella. Decidido a reescribir las reglas de lo que puede hacer un acordeón, se mueve con estilo sin esfuerzo entre los mundos del jazz, la música clásica, el folk y la improvisación ”. – en barbacana
Comenzó a estudiar acordeón a los seis años y a los nueve ingresó al Conservatorio Nacional, donde se graduó con una nota máxima de 20. A lo largo de su carrera, ha acumulado una serie de logros impresionantes. Ganador de algunos de los concursos internacionales más prestigiosos, como el Trofeo Mundial de Acordeón (dos veces), el Accordion Coupe Mondale, el Concurso Internacional Castelfidardo y el Concurso Internacional Okud Istra, se ha consolidado como uno de los principales nombres del instrumento.
“ Un nuevo nombre a tener en cuenta fue el del acordeonista João Barradas, que es una de las estrellas en ascenso de una joven y muy interesante escena del jazz portugués. Su música ofrece estructura y libertad, frescura y excitantes ondas de melodías y ritmos. ” – en Jazzwise
Aclamado unánimemente por la crítica, su capacidad para moverse entre diferentes géneros musicales le llevó a colaborar con reconocidas orquestas, como la Orquesta Filarmónica de Londres y la Sinfónica de Hamburgo, bajo la batuta de destacados directores como Edward Gardner y Sylvain Cambreling. Barradas también ha actuado en algunas de las salas de conciertos más reconocidas del mundo, incluida la Wiener Konzerthaus y la Fundación Calouste Gulbenkian.
En el universo del jazz, João Barradas es igualmente respetado. Grabó para el prestigioso sello neoyorquino Inner Circle Music y colaboró con varios músicos de renombre, como Greg Osby, Gil Goldstein, Fabrizio Cassol, Mark Colenburg, Jacob Sacks, Sérgio Carolino y Pedro Carneiro.
Barradas enfatiza los atributos armónicos del acordeón como una forma de darle una presencia nebulosa a las melodías y una gracia fluida al movimiento. Con un quinteto formado por acordeón, saxofón tenor, vibráfono, contrabajo y batería, Barradas hace que la pieza convencional suene un poco extraña, y hace que lo extraño suene como algo extrañamente familiar”. - en Bandcamp [sobre el álbum Portrait]
En un futuro próximo, Barradas prepara una serie de proyectos que prometen seguir ampliando los límites del acordeón. En un futuro próximo se centrará en programas con orquestas en el área de música clásica y en el área de jazz está preparando la grabación de su próximo disco. Próximamente comenzará una nueva residencia en la Casa da Música, en Oporto, después de haber finalizado su residencia con Symphoniker Hamburg, en Alemania.
“ Una de las razones por las que João Barradas se destaca entre las muy reducidas filas de virtuosos acordeonistas del jazz es su gusto por la aventura. Al mismo tiempo, sus raíces están intactas y arraigadas en el jazz y las tradiciones clásicas ”. - en Deprimente [sobre el álbum Direcciones]
En esta entrevista exclusiva con SMARTx , tendrás la oportunidad de conocer más sobre la trayectoria de João Barradas , desde sus primeras experiencias musicales hasta convertirse en uno de los acordeonistas más aclamados de la actualidad.
¿Cómo llegó la música a tu vida?
Mi primer recuerdo musical tiene que ver con un teclado Casio Rapman. Mi madre dice que incluso dormí con él en la cama. Me encantaba ese juguete. El teclado incluía reproducciones instrumentales que permitían tocar con las notas de las teclas al mismo tiempo que se reproducía la reproducción . Básicamente, aunque sin darme cuenta, fue mi primer contacto con la improvisación. Unos años más tarde, cuando tenía seis años, mi maestra de jardín de infantes invitó a una toccata (un grupo musical que acompaña a un grupo folclórico) para dar una pequeña actuación ante la clase de jardín de infantes. Tengo un fuerte recuerdo de esa experiencia; Recuerdo perfectamente el acordeón, el fuelle, los botones y la persona que lo tocaba. Ese mismo día, de camino a casa, le pedí a mi madre que me inscribiera en una escuela de música para aprender ese instrumento. Unos días después entré en la escuela de música “Sons e Tons” de Samora Correia.
¿A qué edad empezaste a tocar el acordeón? ¿Fue el primer instrumento que elegiste?
Fue el primer instrumento que elegí. Años más tarde, en el Conservatorio, tomé la guitarra clásica como segundo instrumento.
¿Cuándo supiste que querías ser músico profesional?
Siempre supe que la música estaría presente en mi vida como hobby. La transición hacia la “profesionalización”, como intérprete y el aprendizaje continuo de la música que elegí, se produjo de forma paulatina. Es decir, no hubo un momento concreto en el que decidí convertirme en “profesional”. Porque este proceso, sobre todo como intérprete, y no como profesor de música, y viniendo de Portugal, no es exactamente una elección, es un proceso que implica una gran dedicación, mucha constancia y mucha suerte.
¿Quiénes fueron tus mentores durante tu formación musical?
Sigo teniendo mentores y personas que me guían, incluso en mi estudio diario. En algún orden cronológico: el profesor Joaquim Raposo, excelente pedagogo del acordeón, padre del pianista António Rosado, y uno de los grandes compositores y arreglistas de este aerófono, fue de gran ayuda para desarrollar las primeras habilidades físicas con el instrumento y la lectura. música en clave de bajo y sol. Luego, el profesor Aníbal Freire, con quien tuve nueve años de intenso estudio y precisión técnica que hasta el día de hoy agradezco, aprender el instrumento con uno de los mejores instrumentistas de todos los tiempos fue un privilegio. Actualmente, a pesar de no tener clases semanales, cuento con algunos amigos, profesores y mentores que me guían con opiniones completamente honestas sobre el proceso y también sobre la edición de los álbumes. Por ejemplo, en estos momentos me estoy preparando para grabar algunos estándares más de Jazz y todo el proceso diario de aprendizaje de improvisación y lenguaje cuenta con la ayuda de músicos increíbles como Jeffery Davis, Ricardo Toscano, Greg Osby o Afonso Pais. Otro ejemplo, mi nuevo disco de música clásica “Unfolding”, no sólo contiene música del compositor portugués Luís Tinoco, sino que también siguió todo el proceso, desde el estudio de las piezas originales, la transcripción tras el estudio de las composiciones preexistentes, la elección desde tomas completas, mezcla y masterización del álbum hasta diseño gráfico. Mi relación con el grupo belga Aka Moon también trasciende nuestras grabaciones o conciertos en vivo. Está formado por tres músicos –Fabrizio Cassol, Stéphane Galland y Michel Hatzigeorgiou– a quienes escucho religiosamente no sólo en sus elecciones musicales sino también en todas las demás. que involucran la creación musical. De momento, cualquier proyecto o programa en el que esté trabajando incluye algunas personas que me ayudan a crear musicalmente y planificar mi rutina de estudio, pero también otro grupo de personas que me asesoran sobre cómo llevarlo a cabo en el mundo musical.
¿Qué acordeonistas te inspiran?
Inmensos, pero estos son los nombres que están más presentes en mi imaginación en estos momentos: Mika Väyrynen, Yuri Shishkin, Iñaki Alberdi, Aníbal Freire, Friedrich Lips, Domi Emorine, Aude Giuliano, Petar Maric, Jérôme Richard, Eric Bouvelle, Richard Galliano , Tommy Gumina, João Frade, Petar Ralchev, Lionel Suarez, Lelo Nika, Teodoro Anzelotti, Eugénia Lima, Vladislav Pligovka y Jean-Marc Marroni.
¿Cómo llegaste al mundo del jazz?
La improvisación siempre ha estado presente en mi relación con el instrumento y la música. El jazz comenzó a hacer sentir su presencia de manera más constante en mi vida al escuchar a artistas como Richard Galliano y Keith Jarrett. Después de completar el Conservatorio de Acordeón, tuve la oportunidad de estudiar en la escuela JB Jazz, donde entré en contacto con algunos de los mejores improvisadores portugueses, como Pedro Madaleno, Nuno Ferreira y Paula Sousa. Después de esta experiencia y de un breve período dedicado a la realización de algunos concursos internacionales, retomé mis estudios de improvisación en la Escola Superior de Música de Lisboa, que resultó ser la fase más significativa en mi desarrollo como músico, gracias al apoyo de increíbles profesores, como João Moreira, Filipe Melo, João Paulo Esteves da Silva y Nelson Cascais.
¿Cómo fue colaborar con algunos de los improvisadores contemporáneos más importantes? (Mark Turner, Peter Evans, Aka Moon, Greg Osby, Mike Stern, Rufus Reid, David Binney y Gil Goldstein, entre otros)
Prácticamente todos los nombres mencionados son personas con las que tengo una relación continua y que han influido no sólo en los proyectos en los que colaboramos, sino también en el desarrollo posterior: la profundización del estudio tras estos proyectos, la exploración de nuevos caminos estéticos e incluso la comprensión. de mi relación con el entorno musical como acordeonista. Creo que de esta lista de nombres, a excepción de Gil Goldstein, la mayoría tuvo su primer contacto con el acordeón a través de nuestros proyectos.
Ganó los principales concursos mundiales dedicados al acordeón. ¿Qué importancia tienen estos premios en el desarrollo de su carrera profesional?
Las competiciones abren puertas que de otro modo serían extremadamente difíciles de alcanzar. Su valor añadido es la obligación de recibir y respetar las opiniones de los músicos de carrera, mejorando los aspectos que señalan. Además, esta participación trae consigo una idea de respeto y admiración por el trabajo serio realizado por los pares. Desde el punto de vista de la carrera profesional, el resultado inmediato son las oportunidades que surgen; desde el punto de vista musical se refuerzan los valores de seriedad y humildad.
¿Cómo es tu día a día como músico?
Mi día a día como músico es bastante típico. Si lo tengo en casa, es decir, si no he estado de viajes ni de conciertos, estoy estudiando. El estudio es diverso, pero todos los días dedico tiempo a la articulación y al estudio con metrónomo; Aprendo nuevos programas escritos; Escucho álbumes y veo videos de mis músicos favoritos en YouTube. Actualmente, en el área de música improvisada, estoy trabajando en mi interpretación de baladas y preparando el programa con orquestas para los próximos tres meses, que incluye compositores como Bach, Mozart y Luís Tinoco.
¿A qué tipo de eventos inesperados te has enfrentado en tu carrera?
La vida de un intérprete es curiosa. Independientemente de lo que pueda suceder (problemas de salud, dificultades económicas o simples imprevistos de producción), siempre existe la obligación de subir al escenario en las mejores condiciones posibles. No existen “superhumanos” ni personas bendecidas por la suerte desde hace décadas; la vida simplemente sucede, y esta suma de imprevistos, junto con la necesidad de actuar en un escenario, es una especie de condición inherente a este arte, y algo que se extiende a todos aquellos que actúan en público.
¿Cuáles fueron los momentos más memorables de tu carrera?
Tengo algunos momentos que guardo con especial cariño. Uno de los más recientes y memorables fue mi debut con la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Edward Gardner, donde tuve la oportunidad de tocar una pieza de Luís Tinoco, uno de mis compositores favoritos. También esta temporada me gustaría destacar la invitación para actuar en el Festival Martha Argerich y tocar en la segunda parte de su propio concierto en la Elbphilharmonie. Además, realizar los primeros recitales de acordeón en programas tan prestigiosos como los de la Fundación Calouste Gulbenkian, el Festival d'Aix-en-Provence o el Wiener Konzerthaus también fueron momentos inolvidables en mi carrera.
¿Cuándo empezaste a componer? ¿Cómo describirías tu proceso creativo?
La composición, como la improvisación, comenzó desde el inicio de mi estudio del instrumento. Sin embargo, con el tiempo, mi proceso cambió. Actualmente, intento escribir ideas inacabadas a lo largo del año, sin la presión de plazos ni formatos definidos. Después de unos meses, reviso estas ideas e intento crear algo que las complete un poco más. A menudo me obligo a borrar una idea por completo para evitar volver a ser influenciado por ella, si algo no me ha gustado con el paso del tiempo. En mi próximo álbum de música improvisada, por ejemplo, André Rosinha y Bruno Pedroso me han ayudado mucho en la creación de estructuras e incluso en la composición de algunas partes. Este nuevo proyecto, que será grabado junto a David Binney en la Casa da Música en octubre de este año, se llamará “Aperture”.
Grabó su primer álbum a los 19 años (“Surrealistic Discussion” con el tuba Sérgio Carolino) y en 2023 lanzó su décimo álbum (“Solo II” – Live At Festival D'aix-En-Provence”). ¿Cómo abordas la integración de experiencias personales e influencias musicales en el proceso de creación de tus álbumes?
Precisamente ayer volví a pensar en el proyecto con Sérgio Carolino. Es uno de mis mentores, uno de los mejores músicos que conozco y sigo aprendiendo mucho de él. Ese primer disco fue una auténtica escuela de cómo hacer música. Sérgio Carolino y Mário Dinis Marques, responsable de la grabación del álbum, fueron fundamentales para ayudarme a entender cómo grabar un álbum. Desde la preparación musical y de producción hasta la importancia de que nos escuchen personas ajenas al proyecto, aprendí una serie de condiciones esenciales para entregar el mejor trabajo posible, algo que aún no había experimentado a ese nivel. “Solo II – Live at Festival d'Aix-en-Provence” es un proyecto muy personal. No sólo porque es completamente improvisado, sino porque fue interpretado en vivo en uno de los festivales más importantes para mi desarrollo como músico. Además, tuve la suerte de estar rodeado de amigos, tanto en el público como en el equipo que grabó el disco, como en la propia academia del Festival, de la que formé parte durante unos años bonitos.
Es artista residente en la Symphoniker Hamburg y la Casa da Música; tiene el proyecto bajo su propio nombre “João Barradas Trio” con André Rosinha (contrabajo) y João Pereira (baterista); y, entre otras cosas, comenzó a escribir para la revista BBC Music. Cuéntanos qué podemos esperar de tu carrera en un futuro próximo.
En las próximas dos temporadas, en el ámbito de la música clásica, me centraré exclusivamente en programas con orquesta. Es un gran privilegio poder trabajar en este tipo de programa, especialmente con un instrumento que aún no es una elección obvia como solista en una orquesta. Me siento inmensamente agradecido por la confianza que las orquestas y directores han depositado en mí brindándome estas oportunidades. Recientemente terminé mi residencia con Symphoniker Hamburg, en Alemania, una experiencia verdaderamente privilegiada, donde pude hacer música al más alto nivel. Dentro de seis semanas comenzaré mi residencia en la Casa da Música, un proyecto que me tiene sumamente ilusionado y feliz. Será una oportunidad única para grabar proyectos con algunos de los músicos que más admiro. Aunque la residencia dura sólo un mes, a lo largo de 2025 se lanzarán ediciones discográficas de algunos de estos proyectos. No puedo revelar muchos detalles todavía, pero en septiembre se anunciarán algunas colaboraciones con orquestas. En el área de jazz, me estoy preparando para grabar mi próximo disco de originales en octubre. Además, estoy involucrado en cuatro proyectos internacionales que me han dado grandes satisfacciones y que pronto serán revelados. Al menos dos de estos proyectos se anunciarán en octubre. Para prepararme adecuadamente para todos estos programas, he decidido no realizar recitales en un futuro próximo. Los recitales han sido una de las formas más habituales de actuar sobre un escenario en los últimos años, pero en este momento la prioridad es centrarse en la preparación y ejecución de estos proyectos de mayor envergadura.
¿Y cómo gestionas una carrera tan diversa?
Esto es algo que requiere gran disciplina y organización. Intento equilibrar mis compromisos, asegurando que cada proyecto reciba la atención necesaria. Cuento con un equipo de colaboradores que me apoyan con la logística y administración, permitiéndome concentrarme en lo que realmente importa: la creación e interpretación musical.
¿Cómo defines la música?
Definir qué es la música no es tarea fácil, pero puedo intentar explicar mi relación con este arte. Para mí, la música es la forma de expresión abstracta que más me conmueve, la más inmediata, tanto como oyente como como "practicante". Me refiero sobre todo a la música instrumental, que es la más cercana a mí y que no utiliza otras formas de arte en su constitución. Es a través de él que puedo experimentar y transmitir emociones de forma pura y directa, sin necesidad de palabras ni imágenes.
Si no hubieras seguido una carrera musical, ¿qué otra carrera imaginas que habrías elegido?
Me hubiera encantado haber estudiado Informática.
¿Cuáles son tus pasatiempos?
Actualmente dedico parte de mi tiempo libre a libros, videojuegos y podcasts. Son actividades que me relajan mucho y, al mismo tiempo, estimulan la creatividad y diferentes tipos de pensamiento. Estas aficiones me permiten desconectarme de la rutina diaria y explorar nuevas ideas y perspectivas, lo que acaba influyendo positivamente en mi trabajo musical.
¿Qué esperas lograr en los próximos años?
Me gustaría seguir grabando discos y trabajando en su producción. Para mí, es una forma importante de representar nuestra música. Aunque los medios de producción musical son cada vez más accesibles, crear música a un cierto nivel sigue siendo un desafío importante. Desde la disponibilidad de tiempo y espacio necesarios para la preparación, hasta el acceso a los mejores recursos y equipos de grabación, hay muchos factores que hacen que este proceso sea exigente. Espero poder superar estos desafíos y seguir creando obras que reflejen mi visión artística y musical.
¿Tiene algún consejo para los jóvenes músicos que recién comienzan sus carreras?
Siempre es difícil dar consejos genéricos, ya que cada músico tiene necesidades y caminos diferentes. Sin embargo, puedo compartir un consejo que me han dado músicos que aprecio mucho y que trato de seguir: nunca pierdas la rutina de estudiar y escuchar música. Estos dos factores van de la mano en la evolución de un músico. "Armar" un programa sin afrontar dificultades externas no es realmente una rutina de estudio, y "escuchar" sólo discos que ya conocemos, sin analizarlos ni estudiarlos, no es el tipo de escucha que contribuya al desarrollo del vocabulario musical. Es fundamental mantener una práctica constante y una escucha atenta y crítica, buscando siempre nuevos retos y aprendizajes.
* Joana Patacas - Consultoría de Comunicación y Contenidos
Fotografía de João Barradas por Alfredo Matos
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